Sculpture gothique


Sculpture gothique
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Sainte Barbe (vers 1430), Claus de Werve, Boden Museum, Berlin

La sculpture gothique est intimement liée à l'architecture gothique qui s'épanouit dans la seconde partie du Moyen Âge en Europe occidentale. Il s'agit au départ d'une sculpture monumentale, immeuble par destination[1], mais son étude concerne également celle de la sculpture funéraire, du mobilier et des objets somptuaires.

Sommaire

Généralités

Les matériaux des imagiers[1] sont multiples : la pierre, d'abord, en fonction des régions (granite, grès, calcaire, marbre, albâtre), mais aussi l'ivoire et le bois.

Les œuvres les plus nombreuses sont au départ les sculptures religieuses qui ornent les entrées et les portails des églises. Ensuite se développe un art funéraire de plus en plus travaillé, qui aboutit au XVe siècle à des œuvres aussi achevées que le Tombeau du duc de Bourgogne, Philippe le Hardi. Au fil du temps, et avec les progrès de la dévotion privée, on voit apparaître des œuvres de plus petite taille qui sont transportables. Le travail commence par un dessin préliminaire, ou une maquette (terre, argile, plâtre ou pierre)[2], puis la mise au point, ensuite la pierre est dégrossie. Ce sont souvent les apprentis ou les élèves qui se chargent des parties les moins délicates, le maître se réservant les visages ou les mains[2]. Jusqu'à la fin du XIIIe siècle en France, les statues sont ensuite peintes de couleurs vives. La sculpture connaît un vif essor lié aux chantiers des grandes cathédrales.

La sculpture gothique française

La sculpture gothique française prend plusieurs formes. C'est peu dire.

Sculpture monumentale

Balustrade de la cathédrale Sainte-Bénigne de Dijon, Viollet-le-Duc
Article détaillé : Sculpture monumentale.

La sculpture monumentale, c'est-à-dire celle qui décore les monuments, est plus généralement taillée dans la pierre (les sculptures exécutées dans des matériaux périssables ne nous seront pas parvenues). Sont principalement représentés des thèmes religieux issus de la Bible ou de la vie des saints popularisée par la Légende dorée (1262) de Jacques de Voragine. Les bâtiments d'habitation sont souvent peu décorés mais il existe des exceptions. Sur les habitations, seul le pourtour des fenêtre et l'encadrement des portes sont le plus souvent surmontés d'arcs en accolade nervurés. Le reste de l'habitation devait être enduit d'une chaux colorée, dont nous ne possédons que peu de traces. L'armature de bois, trop sensible aux intempéries et aux incendies, n'était pas visible. On ne peut observer de la pierre que dans les demeures des plus riches.

Mobilier

Le mobilier est généralement sculpté de rinceaux et d'entrelacs rappelant l'enluminure et le travail du métal en Angleterre à cette même période. Comme dans la construction des édifices religieux, le goût est à la transparence, aux percées. Les objets mobiliers royaux, les seuls à avoir été conservés, sont des créations de bois travaillées de manière minutieuse.

Sculpture funéraire

Gisant de Richard Cœur de Lion, abbaye de Fontevraud

La sculpture funéraire devient figurative. Les sarcophages montrent les défunts sur le couvercle, ce sont des gisants. Suivant la tradition romane, c'est une sculpture en pied en bas relief. Le défunt n'est pas allongé. Il est sculpté debout puis la pierre est posée à l'horizontal. La figuration du mort est assez schématique et géométrisée. Puis la sculpture prend du volume. Les sculpteurs représentent un corps, toujours debout, les yeux ouvert. Ensuite, les yeux se ferment mais le personnage n'est pas mort. Il semble dormir. Ses traits ne sont pas tirés mais ils sont reposés. Là se crée une différence entre les hommes et les femmes. Les hommes dorment, tandis que les femmes sont représentées mortes. Les plis des vêtements de femme tombent vers le sol et leurs traits sont tirés. Enfin, à l'extrême fin du Moyen Âge, au début de la Renaissance, le corps se dessèche jusqu'à représenter un cadavre ou un squelette qu'on appelle le « transis ».

Objets somptuaires

Vierge à l'enfant en ivoire du XIIIe siècle, petit format, Musée du Louvre

La sculpture d'objets somptuaires, c'est-à-dire des objets précieux de petite taille pouvant être transportés connaît un essor inégalé durant toute le période médiévale. Ces objets ont été conservés parce qu'ils ont longtemps été identifiés comme des objets italiens, car, à partir de la Renaissance jusqu'au milieu du XIXe siècle, les créations artistiques médiévales de tous genres ont été très souvent détruites ou malmenées puisque considérées comme un art médiocre. Les objets qui nous sont parvenus ont le plus souvent appartenu à des familles nobles qui les ont transmis de génération en génération ou, pour les objets religieux, ont été conservés dans les trésors des monuments comme des reliques. Les objets les moins malmenés ont été les Vierge à l'enfant sculptées puisque ce sont des objets sacrés. À partir du XIIIe siècle, la sculpture sur ivoire est très appréciée. D'abord reprenant des thèmes religieux, un art profane émerge sur les objets d'usage courant comme les peignes, les miroirs, les coffrets, les manches de poignards ou ceux des rasoirs, les gravoirs, les tablettes à écrire, etc au XIVe siècle. Paris semble, à ce jour, être l'un des plus important centre de la production d'ivoires sculptés. Cet art portatif permet aux images locales de circuler à une plus grande vitesse. Ainsi sur des tablettes à écrire on retrouve des images qui figurent sur Notre-Dame de Paris et sur la cathédrale d'Amiens.

Artistes gothiques européens

Adam, vers 1260. Statue provenant de la cathédrale Notre-Dame de Paris. L'artiste s'est attaché à un certain réalisme inspiré des formes de l'Antiquité classique.

Listés chronologiquement.

Voir aussi

Articles connexes

Bibliographie

Notes et références

  1. a et b Viollet le Duc, Dictionnaire raisonné de l'architecture française du XIe au XVIe siècle, article Sculpture
  2. a et b Alain Erlande-Brandenburg


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